NON STOCK

¿Alguna vez te has planteado quien compra los artículos de la teletienda? Ese tipo de spots publicitarios, eternos y repetitivos están diseñados para atraer a un sector concreto de la población. Es la publicidad selectiva, un margen de beneficios seguro y una difusión a nivel mundial. Las compañías, las multinacionales ya hacen distinciones de sexo, raza, condición social y hasta de color de pelo para vendernos su producto. Todos nos acordamos del joven pelirrojo, que vestía de rojo que tenia unos 18 años y que navegaba vía Web mediante su vodafone con 3G.

A veces me planteo como sería una teletienda de stock artístico. Una inmensa nave industrial con artistas en mini-habitáculos con una silla y una mesa, esperando recibir al comisario o galerista de su vida. Una Web de proyectos en stock, esperando ser financiados, como ya hace Javier Núñez, por ejemplo, que da tres formas de pago por proyecto: me compras la idea, me compras la idea y la realización para hacerla y por ultimo, pero la mejor, me compras la idea y yo te lo hago. Esta manera de buscar la autofinanciación a base de diseccionar la forma en que el proyecto o la idea materializada llegan al consumidor de arte me parece muy interesante. Si te gusta cómpralo, te sale más económico hacértela tu mismo que hacértela yo. Me da la sensación que este proceso, que conlleva ver todo el proceso artístico como una cadena de montaje, es muy acertado por la desnudez visual que conlleva realizar este tipo de transacciones en un entorno artístico, que siempre conlleva consigo la firma rubricada del autor en la obra física. Lo único que tienes que tener en cuenta es si el proyecto es lo suficientemente viable y está lo suficientemente claro como para sacarlo de esa cadena o cinta. Entonces, ¿no estamos convirtiendo esta cadena de montaje artístico en una especie de self-service en el que cada consumidor de arte te dice en cada momento si ve bien la obra y la realiza él o no? En realidad es ver si el filete esta poco o bien hecho y cuando lo ves en su punto lo devoras. En realidad lo devoras en el punto en que te salga más económico.

Hemos entrado en el maravilloso mundo de las rebajas de Enero, parece que el sector de la población que consume arte, ínfimo por supuesto, se ha encontrado a si mismo, no ha hecho falta campaña publicitaria alguna. Señoras y señores, ladies and gentlemen, hemos entrado en: NON STOCK.

D.M.

Un héroe por imposición.

La figura del héroe antiguo, figura con nombre y apellidos de caballero siempre fue un personaje sin rostro. Un ser humano que buscaba en la aventura, en el desafío, en los largos viajes y en sus hazañas bélicas ensalzar su honor y su capacidad para sobrevivir. El héroe moderno por el contrario es un ser anodino de nacimiento pero que basa su condición de héroe en las grandes ideas. Nace el mito como personaje que se inventa a si mismo y por lo tanto crea una leyenda que históricamente solo podía forjar un héroe clásico. Personas que veían en el futuro progreso y autoritarismo, pero mitos que el tiempo frustró y derroco de su pedestal. Slavoj Zizek en Totalitarismos en el arte relata que todavía hay otro tipo de héroe contemporáneo o posmoderno, un héroe que tiene nombre y apellidos, que es un personaje anodino pero que sus logros no tienen que ver con las ideas o los actos heroicos de caballo y espada y si con el mito. Esta figura posmoderna es como un contenedor vacío que los medios de comunicación y la publicidad modelan a su antojo. Nada o casi nada dice el héroe moderno sobre sus actos, es un maniquí que los medios adornan y que lleva asociado una ocupación o trabajo que proyecta la televisión. Cuanto mayor es la proyección televisiva y publicitaria del héroe mayor es su figura. Querría hacer una breve reflexión sobre nuestra propia condición de héroe-aventurero pero a nivel individual. La sociedad en que vivimos, por factores externos como la situación laboral, como la economía de consumo, nos relega a simples residuos humanos o desechos de nuestra sociedad. No somos útiles en el engranaje social y se nos asocian términos como infinito, caos desorden, etc. Términos que más tienen que ver con la vida de un adolescente que con la de un adulto. Por lo tanto vivimos en una sociedad que nos considera jóvenes en una edad adulta.

La figura del aventurero, llamémosle post-consumista, ya que para él entrar en el engranaje de la producción-consumo le es imposible por su situación generacional de precariedad laboral, hace de su destino finito, de la búsqueda de ese orden, la elección de posibilidades. Tiene la elección como meta. Es un buscavidas, más cercano al héroe clásico que al mito de las ideas moderno o a la figura del fenómeno fan posmoderna. Es un buscavidas, un superhéroe moderno e individualizado por democratización del sistema económico que lo maltrata. Se reinventa y se construye. Su mayor logro parece ser el de tener trabajo, o casa, o coche, o alguna de las cosas que he nombrado, ya que parece que todas se le antojan difíciles. Antes el trabajo el servía para vivir, ahora creo que ha alcanzado el peldaño de lo lujoso y envidiado.

D.M.

OTRA REFLEXIÓN MÁS SOBRE LO MISMO EN EL ARTE

La simulación en el arte, no sumar lo mismo a lo mismo como apunta Baudrillard, es una actividad que más tiene que ver con la documentación histórica que con la historia del arte. Tal vez en la facultad de bellas artes enseñen métodos de trabajo, ayudan a referenciar y contextualizar un objeto artístico, pero a veces la obra artística es una cronología del propio mundo contado con un lenguaje complicado y onírico, que solo depende de la criba del individuo que realice la obra, pero que no conlleva en si ningún tipo de ruptura con esa información que recibimos. Tan solo una sutil o exacerbada critica ¿se han convertido los estudiantes de bellas artes, y por extensión los artistas, en cronistas apartados de la sociedad?, ¿han creado un metalenguaje complicado, y muy fácil de olvidar, con el cual completar el ciclo lógico la educación artística y solo implicarse en cuanto a las tendencias críticas que tienen que ver con la sociedad y la cultura? Tal vez esta simulación solo nos lleve hacia una banalidad absoluta y casi obscena de nuestra realidad, a encarnizarnos con nuestro propio cadáver artístico ya corrompido. Nuestra vida contada y criticada como si de un gran Magazine dominguero se tratase. Y es que un objeto artístico debe de contener la realidad y apoderarse de ella, no ser un segmento de los informativos de mediodía. ¿Se debe dejar de ser cronistas y avanzar en cuanto a lenguajes artísticos caducos y disciplinas extintas?, ¿los sujetos artísticos deben ser más importantes que el contexto que vivimos ya que el contexto parece ser más importante que el sujeto artístico? Responderé primero a la segunda cuestión que plantea una pregunta que se contesta haciendo un breve repaso por las redes sociales, por ejemplo, o repasando la lista de amigos que tenemos que realizaron reportajes de boda, de viajes, de reuniones con los amigos, etc. El hombre se fotografía con el mundo, eso es a nivel mundial. De esta forma el sujeto no representa al mundo, es el mundo el que representa al sujeto retratado, lo refracta. Las redes sociales son documentales del día a día de millones de personas, son medios que nos muestran no al sujeto, sino al mundo. Un control total sobre hábitos, manías, curiosidades. Es un retrato social en toda regla, que no nos proyecta a nosotros, sino al conjunto de seres humanos. Somos una red, no un individuo. Somos una foto, no nosotros mismos. En el arte se debe de dejar de ser parte del mundo y pensar solo y exclusivamente en el sujeto, individual y artístico, para así proyectarnos hacia el mundo, y no que el mundo nos proyecte a nosotros mismos como si de un gran espejo se tratase.

Las disciplinas que considero caducas, como la pintura, la escultura, son la gran asignatura pendiente del arte. Estudiamos pintura, la dominamos, estudiamos escultura, la dominamos, estudiamos fotografía, la dominamos, etc., pero el poder de apropiación de la realidad del mundo, como dije antes, para estas disciplinas se me hace irrisorio, más cercano a la artesanía que a una disciplina artística. Estas disciplinas han quedado relegadas a ser cronistas, a que el mundo las proyecte hacia nosotros como obras de arte, pero que carecen de la particularidad para ser sujetos artísticos ya que son proyecciones de nuestra realidad. El mundo las profusa pero no son capaces de retener esas parcelas de realidad que condensa una obra artística. No rompen, solo aportan al mundo nuevos o viejos datos. Una simulación de la simulación eterna. ¿Por qué si estas disciplinas son disciplinas extintas no desaparecen o quedan relegadas al nivel que podría tener la cerámica? Esta pregunta se contesta, creo, fácilmente. Estas disciplinas son las que más dinero aportan a los circuitos del arte. A lo mejor sin ellas el arte dependería de las nuevas tecnologías para desarrollar su labor de apropiación y ruptura. Imaginemos que el mundo del arte dependiera de Internet para su comercialización y para su difusión, que las galerías fuesen honestas con el mundo del arte y fueran capaces y valientes par asumir estos términos. El mundo del arte desaparecería. Quizás esta sería una manera de que introdujesen el canon digital para los artistas visuales, pero sería la quiebra de todo el entramado histórico-artístico a nivel mundial. Quizás es que no interesa dejar atrás disciplinas, que no hay debate ya posible sobre el fin del arte, que ya llegó, que el arte se regurgitó a si mismo y vivimos de sus propias heces, de sus posos amanerados y copistas.

D.M.

La Cinta Blanca (Das Weisse Band)

Una película de MICHAEL HANEKE








Id a verla. Yo no desvelo nada más.
Película, reparto, tráilers, imágenes y comentarios aquí

A.L.

Otra exposición muy interesante para ver...

Susan Collis en Espacio Mínimo

La galería Espacio Mínimo de Madrid inaugura hoy la primera exposición individual en España de la artista británica Susan Collis, que acaba de presentar una instalación en la sección Frame de la última edición de FRIEZE Art Fair en Londres y que ha sido comisionada para crear la imagen de la próxima edición de The Armory Show Nueva York.

Twice Removed, expresión inglesa que alude a ciertas conexiones familiares como la española “primos segundos”, es el título elegido por la artista para esta exposición, en clara alusión a su proceso de trabajo en el que objetos humildes, previamente desechados, son rehechos por ella en materiales preciosos.

Susan Collis realiza en sus instalaciones un interesante trabajo casi de camuflaje, un juego ilusorio de confusión que convierte sus proyectos en un renovado trompe-l’oeil formal y conceptual. Aparentemente se puede ver en ellas los restos del montaje de una exposición, algunos tacos en las paredes, tornillos doblados, maderas sueltas y rotas con clavos, carcomas, restos de pinturas…, suelo u objetos manchados, telas manchadas, etc. Al observar con detenimiento, los tacos de la pared son en realidad de coral o turquesa, los tornillos y clavos de oro o platino, las manchas de pintura son de madreperla o las carcomas pequeños brillantes, los restos de pintura azul en un trozo de marco, incrustación de lapislázuli, las manchas en los trapos son en realidad minuciosos bordados, etc.

Cuestión de aspectos

Para la ejecución de sus obras, la artista se vale de una variedad de técnicas y estrategias de investigación que cuestiona aspectos como la percepción, el valor y el trabajo-la artesanía del arte. Collis ejecuta un ejercicio arqueológico a la inversa, un falso proceso de envejecimiento que juega con nuestra capacidad de discernir entre lo que creemos o esperamos ver y lo que realmente estamos viendo.

Objetos cotidianos que presentan, aparentemente, las huellas del uso y el desgaste del paso del tiempo. Pero esta aparente accidentalidad es, por el contrario, fruto de un meticuloso y lento proceso de trabajo. A Collins le interesa el cambio de valoración que hacemos al descubrir que realmente son elaboraciones cuidadosas, intencionadas, y que los materiales usados para realizarlas, que creíamos erróneamente comunes y sin valor, son preciosos económica y decorativamente.

Otra serie de trabajos se basa en la creación de objetos facsímiles variando los materiales y los métodos de producción. Se trata de aparentes ready made que añaden a su peso conceptual el valor de la artesanía. De esta manera, la completa inutilidad de estas recreaciones maximizan su función ornamental al tiempo que mantiene su ilusoria funcionalidad.

(http://www.espaciominimo.net./em.htm)

Cris. G

Francis Alÿs: Fabiola

Hola zagales, inaguro el blog en el nuevo año por si os apetece que vayamos a ver esta expo, termina a finales de febrero.

Fecha:1976 .Acrílico sobre lienzo Proviene de México (c.2005)
Firma ARELY76
Fotografía: Francesca Esmay.
Cortesía de Francis Alÿs y la Dia Art Foundation,
Nueva York.

Fecha: 28 de Octubre de 2009 - 21 de Febrero de 2010
Lugar: Monasterio de Santo Domingo de Silos (Burgos)
Organización: Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía

El Monasterio de Santo Domingo de Silos acogerá a partir del 28 de octubre la muestra organizada por el Museo Reina Sofía dedicada al artista belga Francis Alÿs (Amberes, 1959). La exposición Fabiola, está compuesta por más de trescientas obras pertenecientes a la colección del artista. Esta muestra se pudo ver el año pasado en la Dia Art Foundation de Nueva York y se ha mostrado recientemente en la National Portrait de Londres, para viajar después a Silos. El punto de partida se encuentra en la obra del pintor francés Jean–Jacques Henner (1829-1905), titulada Fabiola con velo rojo, actualmente en paradero desconocido y que representa a la santa del mismo nombre que vivió en Roma hacia el S. IV D.C. Francis Alÿs, a lo largo de los años, ha ido coleccionando numerosos trabajos sobre la figura de la santa, realizados en muy diversos materiales y por diferentes autores. Con ello, el artista pretende dar validez creativa a los objetos anónimos, algo inherente a la propia obra de Francis Alÿs, ya que el coleccionismo forma parte de su trabajo.

Francis Alÿs, tras realizar estudios de ingeniería y arquitectura en Bélgica y Venecia, reside desde finales de los años ochenta en Ciudad de México, una de las metrópolis más gigantescas y caóticas del mundo, escenario paradigmático de la cultura urbana contemporánea que el artista vive como un inmenso laboratorio al aire libre. Su obra constituye un ecléctico compendio de pintura, fotografía, video y performance. Ha participado en numerosas exposiciones colectivas entre las que cabe mencionar “NowHere” Louisiana Museum, Copenhague, Dinamarca (1996) o “Antechamber”, Whitechapel Art Gallery, Londres (1997). Dentro de las exposiciones individuales destacan entre otras las del Museo de Arte Moderno, México, D.F. (1997) o "Francis Alÿs: El poeta y la mosca", que se pudo ver en el Museo Reina Sofía en 2003.

Cris.G